La Pachamama de Rafael Ramírez —esa figura femenina que emerge como busto, rostro y geografía a la vez— es una de esas obras que no se limitan a ilustrar un mito andino, sino que lo reactivan desde una sensibilidad contemporánea. Lo que Ramírez hace con el pastel no es simplemente colorear una alegoría, sino devolverle a la Tierra su condición de cuerpo vivo, de organismo que respira, sangra y sostiene. Y lo hace desde una estética que combina lo onírico con lo tectónico, lo íntimo con lo cósmico.
La figura central, esa mujer-Tierra cuyo cabello cae como una cascada fértil, no está representada como una diosa distante, sino como una presencia cercana, casi doméstica. Su rostro, incrustado en la propia materia del paisaje, sugiere que la naturaleza no es un «afuera», sino una extensión de lo humano. El pastel, con su textura polvorienta y su capacidad para crear transiciones suaves, refuerza esa idea de continuidad: no hay bordes duros, no hay separación tajante entre piel, montaña, agua o vegetación. Todo fluye, todo se mezcla, como si la obra quisiera recordarnos que la frontera entre la humanidad y el entorno es una ficción reciente.
Debajo de la figura, las formas geométricas —montañas, colinas, bloques de color púrpura, naranja y azul— funcionan como un contrapunto vibrante. No son paisajes realistas, sino símbolos de diversidad y vitalidad. Ramírez no pinta la Tierra tal como es, sino tal y como la sentimos cuando la concebimos como madre: exuberante, generosa e inagotable. Y siguiendo esa misma lógica, aparecen los peces que descienden desde el cabello, como si fueran frutos de un árbol acuático. La imagen sugiere que la vida brota de la Tierra no solo en sentido biológico, sino también espiritual: la Pachamama es fuente, matriz y memoria.
Hay algo profundamente contemporáneo en esta lectura. En un momento en que la relación con el planeta se replantea, la obra no sermonea ni denuncia, sino que propone una ética visual: la de la interdependencia. La figura femenina no abraza la Tierra, es la Tierra. Y ese gesto simbólico, esa fusión sin dramatismo, es quizá la parte más política del cuadro. No hay catástrofe, ni destrucción, ni advertencia explícita. En cambio, hay una invitación a recordar lo que ya sabíamos: que la naturaleza no es un recurso, sino un vínculo.
El pastel, además, aporta una cualidad táctil que intensifica la carga emocional. Los colores vibrantes no buscan realismo, sino resonancia. La obra parece creada para ser sentida más que interpretada, como si Ramírez quisiera que el espectador se dejara llevar por la suavidad del trazo y la intensidad del color hasta alcanzar un estado de contemplación casi ritual. No es casual que la figura recuerde a iconografías ancestrales, ya que en ella se percibe un eco de lo sagrado, pero un sagrado cotidiano, accesible y sin solemnidad.
En conjunto, Pachamama funciona como un recordatorio de que la Tierra no es un concepto abstracto, sino un cuerpo que nos sostiene y al que pertenecemos. Y, en tiempos de desconexión, esta afirmación, tan simple y antigua, adquiere una fuerza inesperada. Ramírez no pinta un mito, pinta una relación. Y lo hace con la delicadeza de quien entiende que la belleza también puede ser una forma de resistencia.
PACHAMAMA / MADRE TIERRA.
Pintura al Pastel sobre cartulina Canson
Pintura origina realizada por Rafael Ramírez.
Técnica: Pastel sobre cartulina / papel.
Tamaño: 50 x 65 cm. – 19.68 x 25.59 in.
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